DOMADOR DE LUZ

Teníamos miedo al calor, a ese visitante de todos los veranos que, en realidad, es su principal ingrediente, salvo para quienes viven en el norte de la Península, acostumbrados a un clima benigno. Pero nos decidimos, y el martes a las tres de la tarde, tras comer en un restaurante próximo, Marián y yo comenzamos la visita la exposición de Joaquín Sorolla.
Cuando entramos, es como si hubiéramos vuelto al sol, mejor dicho, como si los gruesos muros de la ampliación del Prado, donde se cuelgan los ciento dos cuadros, hubieran sido cubiertos, repentinamente, por multitud de ventanas por las que se cuela la luz del espléndido y caluroso día de julio. Efectivamente, la primera gran protagonista de esta exposición es la luz, mejor dicho, la capacidad del pintor valenciano de atrapar la luz, domeñarla y plasmarla con exactitud inequívoca sobre los lienzos.
La exposición se organiza en sentido cronológico, para que el espectador sea testigo de la evolución del pintor. Como en todo gran artista, y Sorolla lo fue, la obra evoluciona, pero en su caso no de modo drástico, aunque sí perceptible incluso para unos ojos no especialistas como los míos. Así, el detallismo excesivo al que le llevaba su militancia en el naturalismo durante la primera parte de su actividad artística, en la que el afán por representarlo todo, en vez de ayudar distrae de la contemplación de la obra, se supera en poco tiempo para que prevalezca la sensación de conjunto. También se simplifican las composiciones que, al tiempo se hacen audaces, en fin que busca y consigue que la impresión general predomine sobre el detalle. Camina por la senda del impresionismo sin abandonar nunca, ni en sus cuadros más atrevidos formalmente, como La siesta, el realismo figurativo. También alivia cierto dramatismo de sus temas, sin duda muy influenciados por la corriente en boga, sobre todo por escritores como Blasco Ibáñez o Benito Pérez Galdós (cuyo retrato fue uno de los primeros que hizo) y abandona prácticamente la carga social que abunda en su etapa más juvenil.
(En particular, uno de los cuadros que más me gustó fue “Y luego dicen que el pescado es caro”. Reconozco que ha sido más por el tema que por la calidad pictórica; sin dudar de ella ya que pertenece al Prado).
Desde aquí se accede a la información sobre la exposición.
Ahora me siento libre para escribir mi propia interpretación, que quizá sea muy subjetiva, pero es la que me ha quedado tras ser desbordado por esta pintura tan vital y radiante.
Para mí, Sorolla era la luz. Ya he dicho que la luz es la primera protagonista de esta exposición. De hecho, he sentido que contemplaba su obra a lomos de una fragancia de luz y de vida durante toda la exposición. A mi modo de ver, entendía la pintura como luz. Y en la luz, la exaltación del blanco, la interpretación del blanco, el canto al blanco. Pocos como él, acaso Zurbarán, hayan matizado tanto el blanco y hayan descubierto tantos miles de variantes en un mismo color: en las telas, en los vestidos, en la espuma de las olas, en los cabrilleos del sol sobre la piel, en las sábanas de una cama, en el velamen de una embarcación, en las paredes, en las sombras, en el fulgor de las pupilas, en las florecillas…Pero, paradójicamente, esto no me ha deslumbrado, pues lo esperaba, formaba parte de mi sustrato de conocimientos teóricos: Sorolla igual a luz mediterránea.
Me ha deslumbrado Velázquez. Otra vez Velázquez.
Y de Velázquez, sobre todo, Las Meninas. Y de Las Meninas la búsqueda de la luz, ese viaje hacia el fondo de la estancia donde sucede la escena, por donde se cuela o se escapa la luz. Ese punto de fuga donde está la puerta por la que aparece la efigie del secretario de los reyes. A ese modo de componer, rinde homenaje Sorolla en muchos cuadros. Y a La Venus del Espejo en su Desnudo de mujer y al modo de retratar velazqueño en tantos retratos suyos.
Quizá este artista mediterráneo sea uno de los que ha hecho más lecturas espontáneas sobre Las Meninas, evitando la copia literal del motivo. Las tenía tan interiorizadas, que muchas veces, supongo, ni era consciente de ello.
En el cuadro La familia de Don Rafael Errázuriz Urmeneta (diplomático chileno según reza la cartela que explica el cuadro), es la prueba más evidente de esto que digo, aunque no quizá la mejor. Y sin embargo, lo que más me gustó de este enorme lienzo fue la parte de arriba de la derecha, donde una ranurilla de luz se abre y alumbra un jarrón o tiesto de flores rojas.
La luz moldea los cuerpos humanos. El cuerpo humano es otro de los motivos de la obra de este pintor. El cuerpo humano en el sentido más clásico del término, el cuerpo humano donde habita, quizá, lo más perfecto de la naturaleza, y de entre los cuerpos humanos, el de los niños, quizá por su pureza. Quizá porque en el desnudo infantil la componente erótica sea nula. Es como si nos quisiera decir que la luz cobra su total sentido una vez que abraza el cuerpo humano que con ella se hace espléndido, más espléndido aún.
Ya me alargo en exceso, así que concluiré con una breve pincelada, imitando a Sorolla. Me sorprendió y me satisfizo. La gran musa de este artista fue Clotilde, su propia esposa, la madre de sus hijos, que utilizó como modelo y retrató infinidad de veces. Al igual que hizo con sus tres hijos (dos niñas y un niño). Algunas veces no hay que salir de casa para encontrar la inspiración.
Y aseguro que conozco a otro pintor que camina por la misma senda.